Tangerine Dream - Phaedra

Del año 1974, es el primer álbum de la banda electrónica alemana Tangerine Dream para la entonces recién nacida disquera Virgin, aunque si bien no es el primer álbum de la banda que ya contaba en su haber con otros discos de menos repercusión comercial que éste, sí se le considera popularmente como el iniciador del llamado estilo "Escuela de Berlín" (música ambiental de estilo "cósmico" o "planeadora y flotante") que llegó a ser bastante popular en la esfera electrónica de la década de los 70's y que se considera antecesor directo de la ahora mundialmente conocida y sumamente popular "Música Trance". De naturaleza ominosa, distante e invernal; es un trabajo que no deja indiferente al oyente sea neófito o analista experimentado del género, ya que por una parte es técnicamente complicado en cuestiones de instrumentación (obviamente analógica por la época) con la utilización de órganos y sintetizadores como el Mellotron, el VCS3, y el Moog principalmente; aunque por otra parte su escucha no resulta tan abrumadora como en otros trabajos anteriores de la banda como por ejemplo el extrañísimo "Electronic Meditation" o el terrorífico "Zeit". Cabe recalcar que este trabajo parece estar vagamente inspirado en una tragedia de la mitología griega acerca de una mujer llamada Phaedra o Fedra precisamente, la cual se enamoró de su hijastro Hipólito, pero al ser rechazada por éste en un arranque de despecho lo acusó de intento de violación con su esposo Teseo a lo cual procedió a entregar a su hijo a la furia de Poseidón quien envió un mounstro marino que terminó por espantar a los caballos del mismo Hipólito que fué arrastrado por ellos causándole a este graves heridas y posteriormente la muerte. Por tanto, Fedra llena de culpa y remordimiento terminó suicidándose.

"Phaedra" llevando el título del álbum y siendo la composición de más larga duración de éste (17:46 para ser exactos) es una pieza flotante y a la vez rítmica por el uso de secuenciadores (aquí se hace evidente su clara influencia en el "Trance") que llega a tener una cierta aura espectral por asi decirlo, como si nos estuviéramos moviendo entre un mundo subconsciente de ensueño lleno de luces y sombras donde todo lo que creíamos muerto cobra vida. Como dije anteriormente todo transcurre sobre una base de secuenciador a la que se le van agregando, quitando y transformando diversos sonidos que parecen salidos de ultratumba, a veces dando la impresión de coros lejanos y a veces de pequeñas partituras de orquestas ahogadas, lo que le dá algunas cualidades acuáticas a la pieza, aunque no estamos hablando de H2O precisamente, sino de las "aguas" del subconsciente tal vez. De esta forma todo va pasando de manera mas o menos tranquila y constante con algunos crescendos y minuendos pero sin sobresaltos, hasta llegar por ahí del minuto 09:30 que es cuando empezamos a notar una elevación paulatina del secuenciador que una vez alcance un punto álgido traerá consigo un cambio, que resulta ser bastante tenebroso por cierto. El ritmo desaparece súbitamente y todos esos sonidos "del más allá" salen a flote y toman el protagonismo de la composición de aquí en delante resultando en una experiencia de lo más escalofriante. Entretanto incluso se puede escuchar el sonido sampleado de lo que parece ser el ladrido de un perro, lo que me trae a la mente un punto de la mitología egipcia que dice que al momento de morir, el dios de la muerte "Anubis" representado con la forma de un "chacal" por cierto, resulta ser nuestro guía por los desiertos del más allá llevándonos en último término a la Necrópolis o ciudad de los muertos. No sé si esta era la intención de la banda, pero por lo menos esta es la impresión que me deja esta magnífica y compleja pieza, sin embargo, para mí el corte que se realmente se lleva las palmas es el siguiente a éste...

"Mysterious Semblance At The Strand Of Nightmares" con una impecable utilización del Mellotron ligeramente sintetizado, es sin lugar a dudas una de las mejores piezas electrónicas jamás concebidas y de la banda en sí que ahora nos demuestra de lo que es capaz; de una belleza inusual por lo siniestro de su sonido nos deja contemplando la luz de la sombra, la inherente severidad y magnificencia del invierno oculta para muchos ojos despistados, y en última instancia, el verdadero significado trascendental y transmutador que conlleva la muerte, que lejos de ser un acontecimiento nefasto es en realidad uno de los motores de la vida misma y de todo lo que existe, "La Transformación de la Energía". ¿Quién dijo que la electrónica es fría y carente de emociones? quien lo haya dicho debería reconsiderarlo después de escuchar esta pieza simplemente sublime.

"Movements Of A Visionary" se presenta como una variación del primer track y se siente mucho más como un perfecto soundtrack para algunas novelas de Ci-Fi sobre Inteligencia Artificial, algo de Isaac Asimov tal vez. Sin embargo, pese a venirnos mostrando un lado ligeramente más amable y menos oscuro de Tangerine Dream y a ser un tanto más enérgica y espacial que otra cosa, este corte tiende a pasar un poco desapercibido debido a la grandilocuencia de los dos temas anteriores y no por su falta de calidad que la tiene de sobra; además aquí se puede vislumbrar el estilo predominante que la banda tomaría en trabajos posteriores, y como si fuera poco, es también el estilo que predomina en la temprana obra de Jean Michel Jarre, en "Oxygene", "Equinoxe", y "Les Chants Magnetiques" sobre todo, sus mayores éxitos en ventas merecidamente.

"Sequent C'" es una breve y enigmática pieza para flauta que lejos de mostrarse apresurada o de relleno por su corta duración y por su aparente simplicidad, funciona a la perfección como cierre de un disco redondo e impecable como éste, ya que contiene toda esa presencia onírica y de lejanía abismal que se viene percibiendo durante todo el trabajo pero sin ninguna parafernalia, es decir, de una manera más seca y minimalista, lo cual como dije anteriormente la convierte en un outro perfecto. Por cierto, que bien le quedan las imágenes antiguas tomadas desde el frente de una locomotora en Barnstaple, UK en el año de 1898. Llega a parecer que la flauta se convierte por momentos en el sonido distante del silbato de una antigua locomotora de vapor, toda una genialidad y muestra del poder de sinestesia que todos tenemos en nuestro cerebro, bravo por el creador de este video.

Asi pues, "Phaedra" se convierte en uno de esos álbums de cajón que no puede faltar en ninguna colección melómana, tanto por su repercusión estilística en la esfera musical en años posteriores llegando incluso a la actualidad, como por su compleja profundidad y extraña belleza que parece contener más misterios de los que aparenta a simple vista. En fin, es casi de audición obligada señores.

Delerium - Faces, Forms and Illusions

Primer trabajo de este grupo originario de Vancouver, British Columbia, Canada; de estilo electrónico/industrial conformado originalmente por Bill Leeb y Michael Balch, y poco después Rhys Fulber, creadores de numerosos proyectos hermanos a Delerium, como por ejemplo "Front Line Assembly" de estilo mucho más rudo, "Synaesthesia"  más étnico, "Intermix" en su vertiente dance/techno, o "Conjure One" de corte dream/pop, solo por mencionar algunos de los más importantes. Lanzado bajo el sello alemán Dossier en el año 1987, se nos presenta un trabajo oscuro y experimental basado principalmente en samples y librerías de sonido magistralmente trabajados con una temática medio-oriental donde claramente se puede percibir que nos intenta retratar los horrores que se viven en aquella región originados principalmente por las guerras religiosas como bien sabemos. De hecho, en la portada aparece la famosísima imágen del monje budista Bo Tat Thich Quang Duc inmolándose en protesta por una persecución religiosa por parte del fascismo católico que en aquél año de 1963 se vivía en Vietnam.

"Monuments Of Deceit" comienza con una percusión fuerte y arcáica, como si de las pisadas de una bestia se tratase, acompañada de un sampleado de cantos gregorianos haciéndonos recordar el terrible poder de la iglesia y sus crímenes cometidos en nombre de Dios. De ahí el sugerente título "Monumentos Del Engaño".

"Mecca" es un corte mucho más rítmico y bailable que el anterior y es donde realmente se denota la influencia del medio oriente que está presente en todo el disco. Contiene un sample de lo que parece ser un canto musulmán.

"Inside The Chamber" nos muestra el lado más ambiental de Delerium, carente de percusiones aunque de una fuerte carga auditiva, presenta numerosos sonidos y voces misteriosas que parecieran ir y venir a voluntad, sumergiéndonos en lo que podría ser el soundtrack de un sueño, o tal vez de una pesadilla. El estilo de este corte es muy recurrente en Delerium, se puede decir que realmente es su fuerte.

"Sword Of Islam" tiene un porte muy marcial dentro del estilo del medio oriente, con percusiones que me hacen recordar a una marcha aunque con un sonido tribal, claramente puede notarse que tiene dedicatoria a las células terroristas de extremismo religioso muy frecuentes en el Islam sobre todo.

"New Dawn" es a mi gusto el mejor y más místico segmento del álbum, ya que por los sonidos usados pareciera como si estuviéramos descubriendo una antigua tumba egipcia llena de secretos y oscuras profecías.

"Certain Trust" mantiene una atmósfera muy inquietante con una persistente línea rítmica y melódica, y algunos cantos bastante oscurecidos en el fondo. Diría, tanto por el título (Confianza Certera, ó podría entenderse también como Fé Ciega) como por la música, que la intención de este tema es dar la sensación de peligro o alerta ante las probables consecuencias del fanatismo religioso, o en otras palabras, lo que rondaría la mente de un kamikaze dispuesto a todo por su fé. Otra de mis favoritas por cierto.

"Strangeways" es fueretemente ambiental y oscuro, y por los samples de armas y ametralladoras hace clara alusión a los asesinatos indiscriminados que se dan en los territorios en disputa.

"Subvert / Wired Archives / Seig Of Atrocity" son tres cortes bien diferenciados unos de otros, que por alguna extraña razón decidieron incluírlos en uno solo. El primero retoma en cierta forma la sensación de poderío que dejó Monuments Of Deceit solo que en esta ocasión de una forma más maligna, es como lo dice el título, un perfecto soundtrack de la devastación de una ciudad. Wired Archives por su parte es en apariencia bastante sencillo y repetitivo, llegando incluso a lo monótono con una sola línea rítmica de principio a fin a la que se le van agregando y quitando ruidos, voces y sonidos diversos. Seig Of Atrocity resulta un tanto extraño, pero en el buen sentido de la palabra, ya que por el título y por la manera de comenzar con el sonido de una gran explosión podríamos esperarnos un tema sumamente oscuro y deprimente, pero para sorpresa nos encontramos con un sonido bastante más amistoso aunque no sin su cierta malevolencia, típico de Delerium, lo cual lo convierte también en uno de los mejores cortes del disco.

Este álbum tuvo dos ediciones, el primero en 1987 por parte del sello Dossier contenía otro tema entre Certain Trust y Strangeways llamado "Hidden Mask", bastante bonito y ambiental que presenta un sample del tema Im Nin'alu de la cantante israelí Ofra Haza el cual es una lástima que no se haya podido incluír en la posterior edición de la disquera Hypnotic (imagino que su remoción debió ser por problemas de derechos de autor precisamente con ese sample), ya que por su naturaleza luminosa y emotiva le habría dado al disco un pequeño atisbo de luz y esperanza que buena falta le hace.

Sin embargo en la mencionada reedición del año 1997 por parte de la disquera Hypnotic se incluyó un Bonus Track llamado "Dark Star" que ciertamente hace honor a su nombre al dar la sensación de estar flotando en el negro y frío espacio siendo inevitablemente atraído por la fuerza gravitacional de un agujero negro, por lo que este bonus track hubiese encajado mucho mejor en el disco "Spheres" de 1994, y curiosamente el bonus track de Spheres llamado "Turmoil" hubiese encajado mejor aquí por la temática sociopolítica del álbum.

En fin, para quien guste ya sea de la música industrial, soundtracks, ambiental o etérea, incluso del medio oriente, y que sea de mente abierta claro está, Faces Forms And Illusions podría resultar una escucha muy interesante a tener en cuenta.

Patrick Cassidy - Famine Remembrance

Siguiendo con mi tendencia por escuchar música con fuerte carga emocional, recientemente me hice con este maravilloso trabajo musical lanzado bajo el famoso sello Windham Hill en el año 1997 compuesto por el músico irlandés Patrick Cassidy, acerca del cual ya he tenido la foruna de comentar anteriormente en sus colaboraciones con la no menos talentosa Lisa Gerrard, en álbums como Immortal Memory e incluso en algunos cortes de The Silver Tree, asi como también en la bellísima aria Vide Cor Meum que figura en el soundtrack de la película Hannibal; asi puedo decir que la música de este disco va en la misma línea invernal, melancólica y reflexiva de los mencionados anteriormente, pero de un corte mucho mas clásico y orquestal con algunos toques folklóricos irlandeses, creo que fácilmente podríamos llamarlo un "Requiem Celtico".

Fué en el año 1996 cuando Cassidy estrenó en la Catedral de San Patricio de Nueva York, ésta, su tercer opus "Famine Remembrance" en conmemoración del 150 aniversario de Gran Hambruna Irlandesa, de la cual se nos relata brevemente en el interior del disco, acerca del sufrimiento vivido por el pueblo irlandés desde el verano de 1845 a 1849 aproximadamente al ser presas de una plaga de orígenes fúngicos proveniente de México y U.S.A. que devastó los sembradíos de patatas, fuente principal de alimento del país en aquellos años. Esto vino a desencadenar una serie de enormes problemas sociales, corrupción, abuso, crueldad, éxodos masivos y muerte, asi aquella nación vino a perder un cuarto de su población, una verdadera catástrofe para cualquier país. De hecho se dice que Irlanda no volvió a ser la misma desde la Gran Hambruna, donde entre 1841 y 1951 su población disminuyó de 8.2 a 6.6 millones de habitantes.

Basándonos en la historia podemos hacernos una idea del tipo de música que se aprecia en esta obra, una serie de adagios, plegarias, himnos y elegías que harán las delicias de cualquier persona en busca de algo que realmente sea capaz de conmover.

"Funeral March" es el primer tema del disco y abre con muchísima fuerza desde el primer instante con un estruendo que me hace recordar la forma que Beethoven tenía de iniciar la mayoría de sus obras. Hay que decir que aunque este corte totalmente instrumental cumple con creces el sentimiento que brinda una marcha fúnebre, a la vez resulta bastante luminoso y esperanzador, todo depende de la perspectiva que se tome; puede hacernos sentir tanto tristeza como alegría, y esa ambivalencia solamente un gran compositor es capaz de lograr. Debo agregar también que esta bella melodía fué usada en el trailer cinematográfico de la polémica película "Tree Of Life" que desde ya les adelanto que me ha parecido toda una obra de arte incomprendida por las mayorías, como es habitual desgraciadamente.

"Saint Patrick's Breastplate I" es un tema coral basado en parte en un interesante himno cristiano atribuído a San Patricio en el siglo V d.C. que a su vez tiene claras influencias de invocación druida. Básicamente consiste en hacer un llamado al espíritu de Dios con fines de invocar su divina protección.

"Skibbereen" es un bellísimo himno sin voces con claras reminiscencias del "Lux Aeterna" del "Enigma Variations" de Edward Elgar.

"A Supplication" es un aria para coro, mezzo-soprano y tenor con todo el espíritu de Handel en ella, cuya letra está basada en un poema escrito por Lady Jane Wilde (1824-1896) también conocida como "Speranza", nombre bajo el cual escribía y publicaba para el periódico "The Nation" precisamente en la época de la Gran Hambruna. Este poema fué publicado el 18 de diciembre de 1847 en el mencionado periódico.

"Lament" captura a la perfección el sentimiento de pérdida que surge de una tragedia como ésta, pero como ocurre en el primer corte del disco, no deja con una sensación de vacío realmente, sino de resignación, como de haber derramado todas las lágrimas que tenían que derramarse y ahora nos senimos mas aliviados. Este tema también funciona a la perfección para ambientar cualquier paisaje invernal.

"Saint Patrick Breastplate II" es la segunda parte de la plegaria iniciada en el track #2, y como tal sigue la misma línea musical de esta aunque ligeramente mas vivaz y triunfante, por ello, brinda una mayor sensación de agradecimiento que de petición.

"The Itinerant Singing Boy" es uno de los momentos cumbre del álbum, donde el sentimiento de lamentación es tremendo en este adagio con la blanca voz del niño soprano Terence Kelly recitando, por segunda vez en este disco, un poema de Lady Wilde (Speranza) publicado en el periódico "The Nation" el 29 de Diciembre de 1849, como vemos, también dentro del período de la Gran Hambruna.

"De Profundis" es realmente impresionante, pues es aquí donde queda en completa evidencia la talla de músico que es Patrick Cassidy. Podría jurar que De Profundis es una parte perdida del Requiem de Mozart ya que se encuentra a la misma altura de éste manteniendo todo el estilo, arreglo e instrumentación del período Clásico, sobre todo en la parte coral. Es como una combinación entrte dos de las mejores y mas conocidas obras de Wolfgang Amadeus Mozart, la "Lachrymosa" del Réquiem y el "Qui Tollis" de su Misa en c menor. Para muestra un botón:

"Funeral March (versión 2)" nos muestra una versión mas íntima del primer corte, mucho mas sosegada al principio, solamente un dúo de órgano y gaita que forman una bellísima postal de invierno, para entonces, en medio de la calma, irrumpir nuevamente la orquesta completa en toda su magnificencia como sucedió en un principio. Una gran forma de terminar el disco sin lugar a dudas.

Asi pues, termina uno de los mejores trabajos musicales que he llegado a escuchar recientemente, en donde no hay un solo tema de relleno y no podría elegir una como mi favorita, aunque confieso cierta inclinación por "The Itinerant Singing Boy" y "De Profundis". Si te gusta la música clásica, sobre todo las misas de Mozart y Beethoven, y tienes predilección por los adagios sobre todo, este disco no te defraudará en ningún momento.

Era - Era

El día de hoy en la tarde me dieron ganas de escuchar de principio a fin algún disco que ya tuviera un muy buen tiempo sin sacar de su estuche siquiera, entonces pensé que tendría que ser uno que se remontara a la época de los 90's que fué cuando empecé con este viciecillo mío de coleccionar discos, lo que me llevó a desempolvar este trabajo musical del año 1996, aunque realmente yo lo conocí hasta el año 1998, ya que es ni más ni menos el primer CD de la entonces llamada "música extraña" que compré, y eso que de extraño no tiene demasiado ya que en lo que a mí respecta hoy en día este proyecto del músico francés Eric Levi denominado "ERA" (acrónimo de Enminential Rythmn of the Ancestors) es bastante normalito en comparación con otras músicas a las que me he ido habituando con los años.

De todas formas, aún cuando ahora estoy consciente que ERA no es la gran maravilla ni en términos musicales ni en innovación ya que para ese año la fórmula del canto gregoriano + música rock/pop/electrónica ya estaba más que explotada por otros proyectos como "Enigma" o "Delerium"; fué todo un gusto retroceder mentalmente en el tiempo a mi época de adolescente, cuando aunque ya era un amante empedernido de la música, apenas empezaba a sentir un cierto deseo de explorar un poco más allá de las fronteras del Rock y el Pop de la época pero sin saber por dónde empezar; cuando de pronto estando por allí viendo los discos en una tienda de música y películas de la localidad (Sahari's para ser más exacto), el encargado de poner los discos en dicho establecimiento, al cual no me atrevo a llamar DJ puesto que para serlo se requiere mucho más que rolar los discos arbitrariamente, tuvo el acierto de elegir un tema que me pareció por demás atrayente para mis hambrientos oídos que ansiaban algo más; básicamente los sonidos me eran familiares, un ritmo trip-hop con un fondo electrónico lo cual estaba muy de moda ayudó a que prestara atención, sin embargo lo peculiar fué que en lugar de ser una canción cantada al uso por una o dos voces, fuera un coro estilo medieval/gregoriano la que hiciera aparición (el English Chamber Choir conducido por Guy Protheroe, el cual ha colaborado también con músicos del calibre de Rick Wakeman, Vangelis y John Tavener), y además en un idioma desconocido para añadirle más misterio al asunto. La canción de la que les hablo es esta:

Entonces sin perder tiempo fuí a preguntarle a este jóven pseudoDJ que en aquel entonces era bastante mayor que yo, de qué disco provenía semejante canción, a lo cuál procedió a mostrarme la portada del CD, que es la que ven en la cabecera de este post; me pareció bastante enigmático en su momento ese collage con la espada, la cruz en el fondo, esa especie de lápida y esas letras manuscritas en un idioma desconocido. Lo compré sin dudarlo feliz de haber encontrado lo que buscaba, todos los temas me parecían geniales, siempre oscilando entre la luz y la sombra desde el luminoso tema homónimo "Era" que servía como introducción, el rítmico remix de "Ameno" que por razones de comercialización aparece antes que la versión original, el extraño "Cathar Rhythm", la melancólica "Mother", la esperanzadora "Avemano", el inquietante "Enae Volare Mezzo" (que por cierto tengo entendido fué el primer corte que Levi compuso en este estilo sin tener en mente lanzar un disco completo de música de este tipo), el etéreo "Mirror", la versión original y más rockera de "Ameno", el corto pero dulce "Sempire d'Amor" que sirve como reprise de "Mother", el enigmático "After Time" que es el único corte que no presenta el coro gregoriano sino la voz de una cantante, hasta el sombrío "Impera" que cerraba el disco de una manera oscura y con aires proféticos, lo cual dejaba con las ganas de escuchar más; en fin no paraba de escucharlo.

Todos los descubrimientos musicales que hice poco después como Vangelis, Enigma, Enya, Delerium, Mike Oldfield, Jean Michel Jarre, etc. aunque realmente sean de estilos muy diferentes unos a otros fue gracias a este disco que dí con ellos, por eso mas que nada es que le tengo a este proyecto "ERA" y aún mas a este su primer disco una estima bastante especial.

Lisa Gerrard - The Silver Tree

Pues bien, como experiencia personal debo decir que después de escuchar muchísimas veces el maravilloso "Immortal Memory", el siguiente paso fué hacer lo propio con el disco que nos concierne en esta entrada "The Silver Tree" que ciertamente se mueve en la misma línea de su antecesor, es decir, su idea parece ser la misma pero no tratada de la misma manera, me explico, si bien "Immortal Memory" era un álbum bastante profundo y etéreo, incluso en ocasiones funesto, nunca dejaba una sensación de abandono y soledad como lo hace éste (aunque hablo en buenos términos, no como crítica), y es que "The Silver Tree" avanza por un terreno mucho más oscuro que desde el principio se puede intuír por su portada. En cuanto a la temática yo creo que nos habla también de un tema creacionista como es habitual en la Gerrard, pero desde un perspectiva cósmica por decirlo de alguna manera, mientras que "Immortal Memory" se sentía terrenal.

Al ser un trabajo mucho más estéril y minimalista de lo que nos tenía acostumbrados Lisa Gerrard, quisiera comentar que siempre que escucho este álbum inevitablemente me viene a la mente un par de pensamientos acerca de la soledad de la sabiduría egipcia (más específicamente son palabras de la diosa Egipcia Isis que se encuentran en el templo de Sais en Egipto) que dicen  "Yo soy lo que es. Yo soy todo lo que es, lo que fúe y lo que será. Ningún mortal ha levantado mi velo" y "Él es Único en sí mismo, y a esta Unicidad todas las cosas le deben su ser"; que por cierto es nada menos que una de las notas que el ilustre músico Ludwig Van Beethoven siempre tuvo en su mesa de trabajo, de su letra y puño y enmarcadas, de hecho se dice que ése fué el pensamiento inspirador para crear su obra máxima "La Novena Sinfonía" asi que ya podemos darnos una idea de la magnitud del tema aquí tratado.

"In Exile" empieza con un fondo electrónico muy negro acompañado del sonido de un duduk, la sensación que brinda es la de estar flotando en el espacio a la deriva, como bien dice el título, exiliado de todo; tal vez haciendo alusión a la soledad en la que Dios vive y existe, y que como mencioné antes "gracias a esa soledad todas las cosas deben su ser". Después la voz de Lisa hace su aparición en forma de lamento corroborando esa sensación primordial que mencionaba antes.

"Shadow Hunter" es un tema de corta duración donde no aparece la voz de Lisa, se trata de una pieza mucho más ambiental que la anterior donde de pronto irrumpe una serie de percusiones un tanto terroríficas, como una persecución en plena oscuridad.

"Come Tenderness" se puede tomar como una versión un poco más cálida del primer tema (In Exile) tal vez diciéndonos que Dios en su soledad quiso darle forma a sus pensamientos dando lugar a la creación, para por lo menos en un universo ilusorio no estar tan solo.

"The Sea Whisperer" guarda ciertas reminicencias con los primeros trabajos de Lisa en Dead Can Dance, principalmente por el uso del "hammer dulcimer", instrumento medieval que fué prohibido por la inquisición ya que según ellos su sonido tenía el poder de anular la voluntad del oyente, y tal poder solo podía provenir del demonio; argumento por demás ridículo claro está. Ahora bien, basándonos en la temática del disco puede ser que este corte pretenda hacernos recordar el hecho de que la vida empezó en el mar, primero como organismo unicelular, evolucionando lentamente, para posteriormente dar lugar a todo ser vivo sobre el planeta.

"Mirror Medusa" vuelve a sumergirnos en un abismo sumamente profundo después de dos cortes mucho más luminosos, encontrándonos cara a cara con una de las tres hermanas gorgonas, Medusa, aunque convertida en piedra desde épocas inmemorables, hermosa a la vez que temible, y aunque petrificada, aún portadora de un poder que nos hace contemplar nuestro interior tal como es, tal vez para horror de nosotros mismos. Podría funcionar perfectamente como soundtrack de una buena película de terror.

"Space Weaver" viene siendo uno de los temas centrales del disco, una especie de blues electrónico cuyo sonido nos recuerda que la perspectiva de este trabajo es meramente espacial. Se aleja ligeramente de la planicidad y minimalismo que hemos estado escuchando por la inclusión de percusiones electrónicas y, aún más llamativo el hecho de que Lisa Gerrard nos canta en inglés, lo cual hasta ese momento no era muy habitual. Da la impresión que nos trata de relatar una historia de amor no terrenal, tal vez dirigida al creador, aunque de forma muy ambigua; todo se intuye por la letra de la canción.

"Abwoon" nos encontramos nuevamente con el Padre Nuestro cantado en arameo, al igual que en álbum predecesor "Immortal Memory" aunque no se trata de la misma composición ni el mismo tratamiento, ya que como he venido diciendo; mientras el Abwoon de Immortal Memory se antoja dedicado a la creación desde un punto de vista terrenal y humano, éste lo hace desde una perspectiva cósmica, donde con unos fondos corales hechos por la misma Lisa podemos imaginar el cosmos en todo su esplendor.

"Serenity" definitivamente hace honor a su nombre, es como una combinación de intenciones entre The Sea Whisperer y Abwoon aunque con un sonido aún más minimalista y flotante, casi como estar en un estado de ensueño. Podemos decir que es una continuación del tema anterior, ya que este corte tiene su misma capacidad hipnotizante, aunque podría ser que en esta ocasión siguiendo la primicia de su parecido a los dos temas antes mencionados, nos esté invitando a contemplar el microcosmos como parte escencial del macrocosmos.

"Towards The Tower" es sin lugar a dudas un corte homólogo a Paradise Lost de Immortal Memory, aunque aún más oscuro y temible que éste, y al igual que Mirror Medusa y Shadow Hunter e incluso más, encajaría perfectamente como soundtrack de alguna película de terror. De hecho se dice que este corte se formó en base en una overtura que Lisa Gerrard compuso para la película "Constantine", aunque desconozco si al final fué utilizada o no. Según yo, el título haría alusión a La Torre de Babel, que sería lo mismo que decir Babilonia la Grande, con lo cual encajaría perfectamente al analizar este corte, ya que se puede apreciar su concepción, ascenso, caída, y posterior redención. Es extraño y admirable lo que puede lograr la música sin siquiera decir palabra alguna. Creo que aquí cabe incluír una nueva versión de un viejo dicho "Una imágen dice más que mil palabras... pero una buena pieza musical dice más que mil imágenes".

"Wandering Star" retoma la sensación de sosiego y contemplación que dejó Abwoon y Serenity, y una vez más nos reitera su naturaleza cósmica, en esta ocasión observando el lentísimo y sempiterno movimiento de las estrellas, recordándonos que lo que vemos cuando miramos al cielo nocturno no es mas que una imagen de un pasado distante, incluso algunas mucho antes de que la humanidad apareciera en la Tierra.

"Sword Of The Samurai" no hay mucho que decir mas que es otro corte ambiental bastante extraño y de muy corta duración al igual que Shadow Hunter, que parecen desprenderse de la banda sonora de alguna película, ¿de Constantine tal vez?.

"Devotion" es una de esas melodías bien desarrolladas y de buena duración de Lisa Gerrard que llegan a lo más profundo y que tienen un formato de lamento-plegaria, como lo es I Asked For Love de Immortal Memory, asi como también Sacrifice del álbum Duality de Lisa Gerrard y Pieter Bourke del cual hablaré en unos días; solo que éste es a mi parecer el más doloroso de los 3 como cabría de esperarse por la misma oscuridad innata del disco, aunque definitivamente uno de los mejores y más llegadores cortes del álbum. Hay que mencionar también que este tema fué bautizado originalmente como "The Love That Cannot Be" en la gira que hicieron Lisa Gerrard y Brendan Perry su ex compañero de Dead Can Dance en el 2005. Por el título original de esta pieza me pregunto si guarda alguna relación con Space Weaver, podría ser un punto de vista más pesimista del mismo tema tal vez.

"The Valley Of The Moon" es la despedida del disco y como tal nos dice que hemos llegado a un destino, en este caso el valle de la Luna. Al escucharlo puedo imaginar un oasis en medio del desierto lunar, lleno de una extraña vegetación que no necesita atmósfera para vivir, sino que nada allí se marchita, es eterno, y en medio del jardín, el enorme e imponente árbol de plata, tal vez la nueva versión del relato de Adán y Eva.

La recomendación general al escuchar este disco es idéntica a Immortal Memory, escuchar con atención lo que la música nos quiere transmitir y no tomarla como música ambiental para realizar nuestras actividades puesto que nos estaremos perdiendo la mejor parte del disco. Perfecta para una noche estrellada alejados lo más posible del bullicio de la vida cotidiana, haciendo remembranza de nuestras vivencias que han quedado en el pasado y quisiéramos volverlas a la vida aunque sea por medio del recuerdo.

Lisa Gerrard & Patrick Cassidy - Immortal Memory

Aunque sé perfectamente que las palabras o el idioma escrito son medios que usualmente fallan a la hora de querer expresar lo que sentimos y por ende también lo son para describir una obra musical, y más tratándose de un trabajo tan profundo, etéreo y quintoescencial como el que nos ocupa en esta entrada, intentaré describir lo que siento cuando escucho este magnífico trabajo musical compuesto por la contralto australiana Lisa Gerrard de la cual me declaro fanático incondicional, y del no menos talentoso compositor irlandés Patrick Cassidy, quienes hacen una mancuerna más que perfecta al crear un álbum con un estilo neoclásico-ambiental-conceptual que nos relata de cierta manera, por lo menos a mi percepción, nuestro pasado más remoto y creación, y nuestra relación con lo que llamamos "divinidad" o "Dios".

Como curiosidad hay que decir que éste disco o por lo menos parte de él, iba a ser el soundtrack de la película "The Passion of the Christ" de Mel Gibson, que por razones que desconozco no fue así y dicho soundtrack terminó siendo encargado al compositor estadounidense John Debney; sin embargo gracias al cielo la música que había sido compuesta por la Gerrard y Cassidy no quedó en el olvido y de ahí nació este excelente álbum del cuál hablaré más a detalle a continuación.

"The Song Of Amergin" es el primer tema del disco, abriendo el telón de una manera bastante ambiental, oscura y arcaica, desde el primer momento nos remonta a un pasado sumamente distante, donde la creación del ser humano como tal empezaba siendo una idea en la mente maestra de Dios, empezando a mover sus hilos ocultos para llevar a cabo su propósito de dar conciencia del bien y del mal a un ser vivo. De pronto la voz inconfundible de Lisa Gerrard sale de la profundidad y comienza a recitar la invocación de Amergin a los elementos de la creación mediante la cual según la leyenda irlandesa, este personaje pudo derrocar a los antiguos dioses "Tuatha Dé Danann" por la posesión de las tierras de Irlanda. Así conforme va avanzando el tema se puede ir notando un crescendo de percusiones, haciéndonos notar que la guerra entre Amergin y los Dé Dannan está por comenzar.

"Maranatha (Come Lord)" es un corte aún más ambiental que el anterior, cantado casi a capella donde Lisa Gerrard logra crear una atmósfera contemplativa recitando a manera de mantra el Maranatha que en arameo significa "Ven Señor", así que viene siguiendo con el tema de las invocaciones solo que en este caso sería al espíritu de Dios.

"Amergin's Invocation" resulta ser uno de los mejores temas del álbum, tiene todo ese sentimiento épico que nos remonta a un pasado legendario donde la gran guerra entre Amergin y los dioses antiguos tiene lugar, es casi cinemático. La orquestación, aunque sintética (hecha con sintetizadores) por parte de Cassidy está cuidadísima así como también esas profundas percusiones que ponen los vellos de punta, sin mencionar la voz de la Gerrard de la cual hace gala en el intermedio de la canción.

"Elegy" es otro de los momentos cumbres del disco, es de esos temas que hacen que casi se salgan las lágrimas; aquí la magia de la mancuerna Cassidy/Gerrard alcanza un grado máximo regalándonos una de las melodías más melancólicas, profundas y bellas que puede haber. Como el título lo indica, ésta es una "elegía" una especie de lamento por algo pasado, ya sea una persona que ya no está con nosotros o un tiempo especial que añoramos y que sabemos no se volverá a repetir; podría decirse que es un réquiem aunque el "color" del tema no es tan oscuro como cabría esperarse, por el contrario, podemos percibir una especie de resignación. Como curiosidad, da la impresión de que este tema es una versión mejorada y extendida de "Elysium" del soundtrack de la película "Gladiator" de Ridley Scott, compuesto por Hans Zimmer y por supuesto Lisa Gerrard.

"Sailing To Byzantium" abre con un canon de cuerdas que evoca al movimiento natural del mar así como a su vastedad, donde luego la voz de Lisa entra en el juego de cuerdas y poco después las percusiones célticas hacen su aparición y todo va in crescendo, dándonos una sensación de estar navegando en un enorme barco vikingo en medio del océano aproximándose a un destino mítico e impresionante, casi de fantasía.

"Abwoon (Our Father)" es ni más ni menos que el "Padre Nuestro" cantado en su idioma original, el arameo. Es casi imposible no recordar la mencionada película "The Passion of the Christ" donde Jesús está predicando en ese mismo idioma en el cual Lisa Gerrard nos deleita en este tema.  En cuanto a la música sigue mas o menos la misma línea de "Elegy" aunque en un tono un poco más apaciguado y menos protagónico, solo acoplandose y siguiendo a la voz, lo cual es apropiado para acompañar esta importante oración.

"Immortal Memory" puede decirse que es el corte más luminoso del disco, tal vez es por esto que lleva el nombre del álbum mismo, aunque no por ello deja de lado ese carácter fúnebre y solemne que venimos escuchando desde el principio. Pero funciona como contraste de la parte más oscura del álbum, la cual viene a continuación.

"Paradise Lost" como mencionaba antes, es sumamente oscuro y dramático, casi terrorífico incluso, pero no llega a salirse de la temática y del ambiente que se ha mantenido a lo largo del disco. Es toda una lamentación por un paraíso perdido, la adquisición de nuevos sentidos para ser la especie dominante del planeta nos trajo como consecuencia la pérdida de la inocencia, el conocimiento de nuestra propia existencia como individuos y por consiguiente de nuestra muerte, así como también del bien y del mal es principalmente lo que nos diferencía de los animales, así pasamos a ser de simples seres vivos auto programados para comportarse y actuar por instinto a ser conciencias individuales que en cierta forma, aunque muy disfuncionales, se asemejan mucho a su propio creador. En otras palabras, pasamos de ser simples creaciones, a ser creadores. Lo sé, son temas demasiado profundos pero ese es el pensamiento que me deja contemplando este corte del álbum.

"I Asked For Love" es otro de los favoritos, es una increíble plegaria y eso se nota desde el primer instante, aquí Lisa Gerrard nos canta desde lo más profundo del alma, me da la impresión y aunque suene pretencioso, que es como si fuera la voz de Dios mismo diciéndonos en un idioma desconocido que busquemos el verdadero amor, que es la "compasión" y que se puede brindar a cualquier ser en la creación. Es simplemente un tema inmenso que llega a lo más profundo y logra tocar la fibra más sensible de quien sea. Si escuchas esta melodía y no sientes nada, seguro no eres humano, o tienes el corazón hecho piedra.

"Psallit In Aure Dei" o Música en los oídos de Dios es el último corte del álbum, hermosa despedida de uno de los mejores trabajos musicales que he tenido la fortuna de conocer, y no tanto por su técnica, complejidad o virtuosismo, que seguro hay muchísimos mejores en estos aspectos, sino por su capacidad de llegar a lo más profundo dejándote en un estado de embelesamiento puro. En cuanto a la melodía se puede decir que es un tanto diferente a todas las anteriores, porque aunque sigue manteniendo el mismo ambiente la instrumentación ya es distinta, en esta ocasión, es solo órgano y voz y está cantado en latín, y hace recordar claramente a los cantos gregorianos, diciéndonos "No un clamor, sino amor; no palabras, sino una plegaria; no flagelación, sino corazón; haz música en los oídos de Dios." y con esas palabras termina esta magnífica creación musical.

Cabe mencionar que este disco no es para escucharlo de manera incidental o sin prestarle atención, de esta manera puede resultar monótono o aburrido y podemos perdernos de su profundidad y sensación de sosiego. Es perfecto para escucharlo en la noche mirando a las estrellas, tal vez pensando en los momentos más felices de nuestro pasado y con el pensamiento alejado lo más posible de las trivialidades de la vida cotidiana. No tiene desperdicio alguno.

A Clockwork Orange de Stanley Kubrik (El Rostro de la Ultraviolencia)

Así es, ese rostro lleno de ira malsana que podemos presenciar en la primerísima escena de esta maravilla cinematográfica creada por el genio director Stanley Kubrik, acompañada de una portentosa pieza musical compuesta por Henry Purcell (March / Music For The Funeral Of Queen Mary) que calza de maravilla con el aura maligna de la escena misma, con unos geniales tratamientos electrónicos por parte de un gran maestro de los sintetizadores, Walter Carlos, ahora Wendy Carlos después de la operación de cambio de sexo; es sin lugar a dudas una de las más impactantes entradas que ha podido tener alguna película en la historia del cine, claro, sin tomar en cuenta la archiconocida y archiparodiada escena intro de la otra obra maestra de Kubrik "2001 - A Space Odyssey". Estas son escenas que puedo ver un millón de veces y no dejan de impactarme un ápice siquiera... vaya que aquí estamos hablando de ARTE en toda la extensión.

Y este es solo el comienzo de una gran travesía por el mundo de la violencia y el sexo desenfrenado y sus consecuencias de ida y vuelta, principalmente por parte del carismático delincuente juvenil Alex DeLarge (Malcolm McDowell) y su grupo de "drugos" palabra que significa "amigos" en una especie de idioma llamado "nadsat" que parece estar entre el ruso y el inglés, inventado por el lingüista y novelista Anthony Burgess, escritor de la novela "A Clockwork Orange" en la que está basada esta película precisamente.

El estilo y calidad particular de Kubrik está patente en todo el filme, principalmente los decorados, la escenografía y la temática por supuesto son inconfundiblemente Kubrikanos, aunque cabe mencionar que no es tan fría y pausada como a lo que nos tenía acostumbrados en anteriores películas. Hay que destacar también las increíbles actuaciones de todo el elenco, principalmente a Malcolm McDowell que le dió vida a este jóven amante de la violencia y de la música de Ludwig Van Beethoven.

Se puede decir que es una película un tanto profética, en donde los problemas sociales son tratados de una manera sistemática, en este caso, por medio de una especie de lavado cerebral llamado "Sistema Ludovico" en donde al delincuente en cuestión se le somete a un visionado de películas con una alta sobredosis de violencia y sexo, y que con la ayuda de una droga inyectada le causa al individuo un efecto bastante desagradable, el cual se quedaría grabado en su subconsciente haciéndolo incapaz de cometer actos de violencia nuevamente; solo que en el caso de Alex DeLarge, también quedó imposibilitado para escuchar la Novena Sinfonía de Beethoven, de la cual era gran admirador (para saber porqué tendrán que ver la película :) ).

Entonces aquí el dilema que se nos plantea es si fuésemos capaces de vender nuestra libertad por un poco de tranquilidad, ya que para poder acabar o por lo menos disminuír la criminalidad, tendríamos que acabar también con nuestro libre albedrío sometiéndonos TODOS tarde o temprano a tratamientos como este para poder vivir en paz y seguridad. ¿Valdría la pena pagar el precio?...

Primera Entrada

En primera me gustaría comentar que la principal razón de la existencia de este blog es para tener un espacio donde comentar y, dentro de mis posibilidades, analizar diversos trabajos de verdaderos artistas que si bien no son conocidos por la gran mayoría de la gente a estas alturas seguramente ya nos habremos dado cuenta de que el reconocimiento por parte de las masas no es garantía de calidad. Los trabajos comentados aquí serán principalmente de música y cine, y todo lo que me parezca interesante y digno de mención concerniente a ello y de vez en cuando a otros temas. También incluiré enlaces dónde escuchar y/o ver lo que se refiere al contenido del disco o película en cuestión porque de esa forma puedo dar promoción a la obra para su posterior adquisición. En verdad me considero un ferviente amante de la música y el cine, se puede decir que soy un melómano - cinéfilo, disfruto muchísimo tanto de la aparente simpleza de la llamada "world music" o "new age" tanto electrónica como acústica en todas sus múltiples variantes y combinaciones, como de la complejidad de un buen rock sinfónico o de la música académica de cualquier época, llámese medieval, renacentista, barroca, clásica, romántica y/o contemporánea, incluso soy seguidor de la música popular principalmente de las décadas de los 70's, 80's y 90's; así como también, tanto estoy dispuesto a disfrutar de una buena película palomitera como de tratar de desentrañar dentro de lo que cabe los interesantes misterios, dilemas y filosofías que se nos presentan en las más abstractas películas de cine de arte. Es por todo esto que me he convertido en un enemigo de las etiquetas, porque el tenerle miedo a algo solo porque no se está familiarizado con ello y porque no es comercial, no lo pasan en la tele o la radio o los medios populares y por lo mismo crearnos una mala imagen de ello es una de las razones por las que la mente y los sentidos se privan de todo lo interesante y eventualmente se entorpecen y debilitan y nuestro mundo y perspectiva quedan tan limitados que podemos quedarnos incluso sin punto de conversación. Por lo tanto sobra decir que no hay como expandir las miras y no tenerle miedo a nada, porque en esta vida de lo único que podemos estar seguros es que hemos venido a adquirir experiencias y a aplicarlas claro está, y mientras no le hagamos daño a nadie en nuestro caminar, ¡pues bienvenidas sean!.